31.12.09

PELÍCULAS FAVORITAS 2009

Cómo cada año por estas fechas, hacemos una lista con nuestras películas favoritas. En el camino se han quedado algunas que nos gustaron (Up, Antichrist, Wendy and Lucy, A girl and a gun, Revolutionary road, La vergüenza o The wrestler) y tras un intenso debate, finalmente estas son las 10 elegidas.

Paranoid Park de Gus Van Sant

Inglorius Basterds (Malditos Bastardos) de Quentin Tarantino

Where the wild things are (Donde viven los monstruos) de Spike Jonze

Gake no ue no Ponyo (Ponyo en el acantilado) de Hayao Miyazaki

Tres dies amb la familia (Tres días con la familia) de Mar Coll

Hadewijch de Bruno Dumont

Das weisse Band (La cinta blanca) de Michael Haneke

El brau blau (El toro azul) de Daniel V. Villamediana

Honeymoons de Goran Paskaljevic

Låt den rätte komma (Déjame entrar) de Tomas Alfredson

¿Qué películas os han gustado a vosotros? Dejarnos vuestras favoritas en los comentarios

19.12.09

30 Preseleccionados para los Goya a los cortometrajes

Las tres categorias de los premios Goya a los mejores cortometrajes ya tienen sus 10 preseleccionados, de los cuales quedarán cuatro, que son los que competirán por los premios.

Mejor cortometraje de ficción
  • El ataque de los robots de nebulosa 5 - Chema García Ibarra
  • Dime que yo - Mateo Gil
  • Socarrat - David Moreno
  • La Tama - Martín Costa
  • Lala - Esteban Crespo
  • Meropolis Ferry - Juan Gautier
  • Pin up - Tania Verduzco
  • Terapia - Nuria Verde
  • The End - Eduardo Chapero Jackson
  • X Nada - Toni Veiga y Dani de la Torre
El ataque de los robots de Nebulosa - 5
Mejor cortometraje documental
  • Doppelgänger - Óscar de Julián
  • El Cristo gitano - Eva P. Fernández y Mario de la Torre
  • En la ciudad perdida - Luis Deltell
  • En un lugar del cine - Eduardo Cardoso
  • Flores de Ruanda - David Muñoz
  • Luchadoras - Julio López
  • Nothes on the other - Sergio Oksman
  • O.W.Kenosha - Carlos Benpar
  • Tener el corazón en el lugar equivocado - Josu Venero
  • Viaje de ida y vuelta - Fany de la Chica
Doppelgänger

Mejor cortometraje de animación
  • Alma - Rodrigo Blaas
  • Daniel's Journey - Luis Zamora
  • El soldadito de plomo - Tomás Conde y Virginia Curiá
  • Homeland - Juan de Dios Marfil
  • La flor carnivora - María Lorenzo
  • La leyenda del ladrón - Sami Natsheh
  • Margarita - Hampa Studio
  • Tachaan - Rafael Cano
  • La dama y la muerte - Javier Recio
  • The werepig - Sam Orti

A THOUSAND WORDS - TED CHUNG


Dirección - Ted Chung
Intérpretes - Yoyao Hsueh, Nasim Pedrad
Director de Fotografía - James Yuan
Música - Chanda Dancy
Nacionalidad - EE.UU. - 2008

14.12.09

Rain de Thomas Demand en el Teatro Larra

Desde el pasado 27 de noviembre en la Galería Helga de Alvear se puede disfrutar de una selección de la obra más reciente del alemán Thomas Demand.

Dentro de esta exposición, mañana 15 de diciembre en el Teatro Larra, se proyectará en 35 mm la obra realizada en 2008 Rain (Regen). Una película en loop sin principio ni fin, en la que incesantes gotas de lluvia caen golpeando sobre el pavimento.

El horario será de 20 a 23 horas y el teatro está en la Corredera baja de San Pablo 15 - Madrid

PING PONG - IVAN L. GALETA


Realización - Ivan Ladislav Galeta
Nacionalidad - Croacia - 1976 - 1978

11.12.09

VENGAMONJAS EN MADRID

El próximo jueves 17 de diciembre, los Venga Monjas (Esteban Navarro y Xavi Daura) presentarán en Madrid su película Llamadme Claudia, un falso documental con mucha verdad que ahonda en el complejo mundo de la publicidad y la sociedad de consumo, todo ello con gran sentido del humor y Miguel Noguera en el papel de Claudia.

El evento organizado por Playtime Audiovisuales será a partir de las 20.30 horas en Studio Banana, C/ del Platano 14 - Madrid.
La entrada es gratuita

10.12.09

MADATAC

Del 10 al 12 de Diciembre se celebra en Madrid la I edición de la muestra abierta de arte audiovisual contemporáneo MADATAC.
Se podrá ver una selección de videoarte dividido en dos secciones oficiales Internacional e Iberoamericana, más una zona abierta de encuentro con videoartístas y una sección monográfica dedicada al videoartísta chino Gao Shiqiang.

9.12.09

PASSER 8 - CÉSAR PESQUERA




Dirección - César Pésquera
Guión - César Pésquera
Director de Fotografía - Sebastián Sarraute
Montaje - César Pésquera
Música - Tsukimono, Cesar Pesquera as Portabot, Tape
Nacionalidad - España - 2006

5.12.09

Muestra itinerante de cine Playtime

El mes de diciembre sigue siendo el mes de la muestra itinerante de cine Playtime tras su existoso paso por Madrid, llega ahora a Mallorca y Barcelona, con tres nuevos programas.
Los domingos 6 y 13 presentan en el espacio de arte contemporáneo NUU y dentro de las jornadas creativas NUU it yourself, los programas dedicados al videoclip y al cortoemtraje, y el 20 de diciembre en NIU Barcelona estrenan el programa 10. Como siempre la entrada a todas las proyecciones es gratuita.

PROGRAMA VIDEOCLIPS - 6 de diciembre a las 18h en NUU (Inca - Mallorca)
  • Liar to love [Christina Rosenvinge] de Luis Cerveró
  • The art of walking [Blockhead] de Joan Guasch
  • Mal al cor [Le petit Ramon] de Ferran Calvó
  • Espacios muchos [Manuvers] de Santi Aguado
  • Es feo [Manos de topo] de Kike Maillo
  • Lies [Oniric] de Eduardo Rhoppe
  • La soledad comienza [Xhelazz] de Alberto Blanco
  • La niña inmantada [Love of lesbian] de José Luis Cañadas
  • Running away [Undo] de Craptom
  • Dona estrangera [Manel] de Sergi Pérez
  • Last time [We are standard] de Marc Lozano


PROGRAMA CORTOMETRAJES - 13 de diciembre a las 18h en NUU (Inca - Mallorca)
  • El ataque de los robots de nebulosa - 5 de Chema García
  • Today is Sunday de Isaac Berrokal
  • Dibujo de David de Iván Morales
  • Chino de Rogelio Sastre
  • Avant Petalos Grillados de Velasco Broca
  • 18 segundos de Zacharías y Macgregor
PROGRAMA 10 - 20 de diciembre a las 21h en NIU (BCN)
  • Consulta 16 de José M. Carrasco (Cortometraje de ficción)
  • Historia de un caballito azul de Blanca Helga (Animación)
  • Entre destello y destello de Machines Désirantes (Videoclip homenaje a Ciëlo)
  • Nisa (Mujeres) de Benet Román (Documental)
  • Gazpacho de Josep Gutiérrez (Cortometraje de ficción)
  • Rumbo a peor de Álex Brendemühl (Cortometraje de ficción)
  • Blondy de Jorge Piquer y Julie Galland (Animación)
Espacios de proyección
NUU - espacio de arte contemporáneo - C/ Palmer, 20 (Inca - Mallorca)
NIU - C/ Almogàvers 208, [metro] Llacuna (Barcelona)

3.12.09

Ciclo de Agnès Varda

Del 14 al 19 de diciembre se celebra un ciclo dedicado a la directora belga Agnès Varda en diferentes ciudades de Castilla y León.


Películas seleccionadas:
  • La pointe courte (1954)
  • Cleo de 5 a 7 (1962)
  • Jacquot de Nantes (1990)
  • Los espigadores y la espigadora (1999)
Lugar de proyección y hora de comienzo:
Centro Cultural Santa Nonia (León) a las 20h
Centro Cultural de Ponferrada a las 20h
Centro Cultural La Marina (Zamora) a las 20.15h
Centro Cultural de Palencia a las 20.15h
Salón de actos Fuente Dorada (Valladolid) a las 20h

Más información sobre las proyecciones aquí
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ECHOS DER BUCHRÜCKEN (Trilogía) - VELASCO BROCA



KINKY HOODOO VOODOO - SATURNO AL FINAL DEL VERANO
Dirección - César Velasco Broca
Guión - César Velasco Broca
Director de Fotografía - Arturo Briones
Montaje - Javier Díaz
Intérpretes - Rodrigo Fernández y María Pavón
Nacionalidad - España - 2000



DER MILCHSHORF - LA COSTRA LÁCTEA
Dirección - César Velasco Broca
Guión - Regis Muskiz basado en un ensayo de Elier Ansgar Wilpert
Director de Fotografía - Arturo Briones
Montaje - Jorge Torrens y Rafa Vergara
Nacionalidad - España - 2001

AVANT PETALOS GRILLADOS
Dirección
- César Velasco Broca
Guión - César Velasco Broca
Intérpretes - Silvio Samuel Saviour, Juan Benito Bellón, Manuel Lozano, José Gª Gonzalo
Director de Fotografía - Isabel Ruíz
Montaje - Velasco Broca y Javier Díaz Vega
Nacionalidad - España - 2007

2.12.09

Manifiesto “En defensa de los derechos fundamentales en internet”

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

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CINEMAD 09 - Palmarés

Entre el 20 y el 28 de Noviembre se ha celebrado en distintas sedes de Madrid la XVI edición del Festival de cine independiente y de Culto - CINEMAD 09

En las diferentes categorias de la sección oficial los premiados han sido:
- Primer premio categoría ficción - Notes on the other de Sergio Oksman
- Premio oyentes de radio 3 - Novilunio de Roberto Chinet
- Premio especial temática social - Burbuja de Pedro Casablanc y Gabriel Olivares
- Mejor Microcorto - Queremos el premio de los microcortos de Jorge Segura Salazar
- Mejor Videocreación - El Pékin de Lao She de Mariona Omedes y Carlos Mora
- Mejor Teaser - Sunset Day de Josep Antoni Duran
- Mejor Videoclip - In silence [grupo Catpeople] de Nephasto - Adrián P.D.
- Mejor Fotografía digital - Not conclusive - Uncertain spaces photo1 de Julio Cordón
- Mejor Sonido - Casual de Aitor Echeverría

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Novilunio de de Roberto Chinet


Casual de Aitor Echeverría


Puedes ver más cortos del Cinemad aquí

1.12.09

Festival Punto y Raya - Palmarés

Entre el 25 y el 29 de Noviembre se ha celebrado en el Centro de Arte Santa Mónica (Barcelona) se ha celebrado la II edición del festival de cine más abstracto que se celebra por estos lares. El Punto y Raya Festival.
Una retrospectiva de Larry Cuba y otros clásicos, lives a cargo de Nikka y Alba G. Corral, Texas Sci-fi, Telenoika y VJ Dima, talleres, instalaciones, conferencias y la correspondiente sección oficial a concurso han conformado la programción.


El palmarés ha quedado de la siguiente manera:
Primer premio - Linearea de Idrioema
Segundo premio - L’art de la fuga de Daniel Pitarch Fernández
Tercer premio - Stoppages de Astrid Hagenguth
Premio del público - Herbstlaub de Oliver Vogel
Mención de honor - Milieu (infected) Nico Juárez_Iconish
Mención de honor - Once upon a point de Aleix Fernández Curell y Alex Gámez
Mención de honor - Colour keys de David Daniels

30.11.09

10 películas recomendadas

Cada año se hacen muchas películas, de las cuales unas cuantas son muy buenas y pese a ello, algunas pasan desapercibidas o ni siquiera se estrenan.

A continuación una lista de 10 películas recientes que nos han gustado mucho y no son muy conocidas. Si tenéis ocasión os recomendamos su visionado.

- Le gone du Chaâba (El chico del Chaâba) de Christophe Ruggia – Francia – 1998
- The five senses (Los cinco sentidos) de Jeremy Podeswa – Canadá – 1999
- Sånger från andra våningen (Canciones desde la segunda planta) de Roy Andersson – Suecia / Noruega / Dinamarca - 2000
- Reconstruction de Christoffer Boe – Dinamarca – 2003
- A Pessoa é para o que nasce de Roberto Berliner – Brasil – 2003
- Cinéastes à tout prix de Frédéric Sojcher – Bélgica / Francia – 2004
- Je ne suis pas là pour éter aimé (No estoy hecho para ser amado) de Sthépane Brizé – Francia – 2005
- L´enfer (El infierno) de Danis Tanovic – Francia / Italia / Bélgica / Japón – 2005
- Sommer vorn balkon (Verano en Berlín) de Andreas Dresen - Alemania - 2005
- Old Joy - Kelly Reichardt - EE.UU. - 2006

Cuéntanos cuales son tus recomendaciones en los comentarios y ampliamos la lista entre todos

Muestra itinerante de cine Playtime - Programa 10

"Que todo lo que merezca ser visto encuentre su espacio" es uno de los lemas de Playtime Audiovisuales, para llevarlo a cabo organizan la Muestra itinerante de cine Playtime.
Y ya tenemos nueva cita con ellos en Madrid, será el próximo jueves 3 de diciembre.
Estrenarán el programa 10, que incluye las siguientes obras:

>> Consulta 16 de José M. Carrasco (Cortometraje de ficción)
>> Historia de un caballito azul de Blanca Helga (Animación)
>> Entre destello y destello de Machines Désirantes (Videoclip homenaje a Ciëlo)
>> Nisa (Mujeres) de Benet Román (Documental)
>> Gazpacho de Josep Gutiérrez (Cortometraje de ficción)
>> Rumbo a peor de Álex Brendemühl (Cortometraje de ficción)
>> Blondy de Jorge Piquer y Julie Galland (Animación)

El estreno será a las 20.30 horas en Off Limits, C/ Escudra 11 (metro) Antón Martín o Lavapiés - Madrid. Y la entrada como de costumbre, es gratuita.

El día 20 de noviembre en Barcelona, tendrán un segundo pase. Será a las 21 horas en NIU

29.11.09

GAME OVER - PES


Dirección - Pes
Guión - Pes
Animación - Pes
Nacionalidad - EE.UU.- 2006

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podologia

Semana cine experimental de Madrid - Palmarés

El día 27 de noviembre finalizó la XIX semana de cine experimental de Madrid. El jurado otorgó el premio a la mejor película a la francesa 4 de Edouard Salier, el premio especial del jurado fue a para al multipremiado cortometraje Dix de Bif.

El premio a la mejor dirección de una obra presentada por una escuela de cine fue a parar al divertido cortometraje de animación croata Mobitel Manía obra de Darko Vidackovic.
Los mejores efectos y el premio del público fueron para Flat Love de Andrés Sanz. El premio a la mejor fotografía fue para Sobre ella, sobre ello, sobre él Mártires de Carlos Cantalapiedra y el premio al mejor cortometraje fue para el cortometraje austriaco Granica de Eni Brandner.

23.11.09

Burbuja premiado en Festifal

Este fin de semana pasado se ha celebrado en Urrea de Gaén (Teruel) la primera edición del Festival de cortometrajes de temática rural - Festifal. En la categoría de mejor obra de ficción ha resultado ganador el cortometraje Burbuja, dirigido por Gabriel Olivares y Pedro Casablanc

Miren Ibarguren protagonista de Burbuja

El cortometraje cuenta, en clave de tragicomedia, la historia de Marga (Miren Ibarguren) y Pili (Inma Cuevas) dos amigas que viven en el mismo pueblo. Marga sueña con sacarse el carné de conducir, comprarse un coche y salir del pueblo para siempre. Mientras que ese día llega, ella y su amiga, aprovechan el coche de Hortensio (Vicente Romero) para que las lleve y las traiga. Y lo aprovechan bien...
Un buen día Marga se queda embarazada: su particular método anticonceptivo no ha funcionado.

En la categoría documental ha ganado Cuentan los que quedan de Álvaro Sanz y el premio al mejor cortometraje comarcal fue para el Corredor de Mario Gros


20.11.09

19 Semana de cine Experimental de Madrid

Ayer se inauguró en los cine Callao de Madrid la 19 semana de cine experimental.
El evento presentado por Beatriz Pécker contó con la actuación del sexteto de jazz Racalmuto y su maravilloso espectáculo Swing & Cartoons en el que al ritmo de Raymond Scott, John Kirby y algunas composiciones propias sonorizan en directo clásicos del cine y la animación.
Marco Cresci - Racalmuto
Marco Cresci clarinete de Racalmuto [foto Joe Lomas]

Para esta ocasión las obras seleccionadas fueron, tres animaciones de la pareja Hugh Harman y Rudolph Ising: Bosko shipwrecked, Bosko big hearted y Bosko and Bruno.
Dough for the Dodo (Porky Pig) otro clásico de la animación en la que el cerdito Porky se mueve por un mundo que recrea la iconografía típica de Dalí.
Un fragmento de la película soviética de 1924, Aelita de Yakov Protazanov, en la que un científico llega a Marte y allí viendo como la reina del Planeta tiene sometidos al resto de marcianos los llama a la revolución para formar la unión de repúblicas socialistas de Marte.
Dos fragmentos clásicos de comedia americana, Un día en las carreras con los Hermanos Marx dirigidos por Sam Wood y el Héroe del río con Buster Keaton.
Y alguna pieza más de animación como la que protagoniza BettyBoop, Is my palm read? de Max Fleischer, una pieza llena de humor y recursos ingeniosos.

En definitiva un espectáculo totalmente recomendable.

En cuanto a la programación del festival, este año aparte de la sección oficial a concurso podremos ver varios ciclos muy interesantes como el dedicado a la obra televisiva de Alexader Kluge, cine japonés contemporáneo donde podremos ver películas como Shara y Mogari no mori (El bosque de luto) de Naomi Kawase, Nadie Sabe de Hirokazu Koreeda o Cementerio Yakuza de Takashi Miike.

El miércoles 25 Lisandro Alonso presentará la publicación del Festival entorno a su figura "Lisandro Alonso, entre el cine y la filosofía" y durante 4 días podremos disfrutar de toda su filmografía.


Lisandro Alonso habla sobre Liverpool

Hay más ciclos y retrospectivas interesantes y además podremos descubrir la cinematografía de Sierra Leona, país invitado este año al festival. Varias exposiciones y un taller de animación impartido por el colombiano Carlos Santa completan la programación.



18.11.09

Nace EMBED

Hace unos días leímos vía twitter la noticia del nacimiento de Embed un espacio para el audiovisual integrado llevado a cabo por El Festivalito, Movil Film Fest, Zemos_98 y Yerblues.net.
Será un lugar donde intercambiar ideas y debatir y analizar las tendencias y proyectos que representan el cambio cultural de la creación audiovisual multimediática.
Proyecto que nos parece muy interesante, le seguiremos la pista de cerca a ver cómo evoluciona.

12.11.09

CHINO - ROGELIO SASTRE


Dirección - Rogelio Sastre
Guión - Rogelio Sastre
Intérpretes - Rogelio Sastre
Director de Fotografía - Rogelio Sastre
Montaje - Laura Camarero
Música - Marta Martos
Nacionalidad - España - 2007

8.11.09

OFFMÓSTOLES 09

Cine, vídeo, música y otros deleites... Desde el viernes 20 al domingo 22 de noviembre el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo se convierte en el espacio en que se dan cita, en un ambiente distendido diferentes manifestaciones contemporáneas en torno a la imagen en movimiento y el sonido: cuatro programas de vídeo, tres conciertos y un largometraje acompañados de espacios para el encuentro.

programa________________________________________

Viernes 20:
20:00 h: un vino para despertar los sentidos al fin de semana OFFMÓSTOLES09.
20.30 h: presentación del OFFMÓSTOLES09 y PROGRAMA 1

Programa 1 - Comisariado por CA2M
  • Oigo tu grito (Ahendu nde sapukai), de Pablo Lamar
  • A Necessary Music, de Beatrice Gibson,
  • Return, de Jacco Olivier
  • Silverleaf, de Adam Leech
  • Planta 23, 03:45, de Félix Fernández
21:30 h: Estreno de La Zona, concierto de Tadeo

Sábado 21:
13:00 h: Aperitivo en la terraza.
13:30 h: concierto: Pierre Bastien.
14:30 h: Picoteo y charla al sol de noviembre en la terraza
16:00 h: PROGRAMA 2

Upstairs de Enrique Piñuel

Programa 2 - Comisariado por Playtime Audiovisuales
  • Casual, de Aitor Echeverría
  • The end, de Fernando Franco
  • Chino, de Rogelio Sastre
  • Avant Petalos Grillados, de César Velasco Broca
  • Upstairs, de Enrique Piñuel
  • Suena Brillante, de Luis Cerveró
  • Rumbo a peor, de Àlex Brendemühl
Durante toda la tarde, tés, cafés y pastas en torno a los que poder hablar… para que no se enfríe el ambiente

17:30 h: PROGRAMA 3

Programa 3 - Comisariado por CA2M
  • Salar, de Pedro Ortuño
  • Dear Adviser, de Vincent Meessen
  • Block B, de Chris Chong Chan Fui
  • After the Empire, de Elodie Pong
  • Oops wrong planet, de Anouk De Clercq
19:00 h: Les plages d’Agnès, de Agnès Varda.


Domingo 22
13:00 h: Despiértate el domingo al sol de nuestra terraza.
13:30 h: concierto de Kammerflimmer Kollektief
14:30 h: Picoteo y charla al sol de noviembre
16:00 h: PROGRAMA 4.

Programa 4 - Comisariado por Xavier García Bardón
  • You Don’t Bring Me Flowers, de Michael Robinson
  • And We All Shine On, de Michael Robinson
  • Beep Prepared, de Stephen Gray
  • The Third Body, de Peggy Ahwesh
  • The Coconut Peral, de Mike Tamney
  • The Windmills Of Your Mind, de John Hey
  • Boreales, de Carlos Casas
  • The Black Album, de Michael Morley
Lugar de celebración:
CA2M - Centro de Arte 2 de Mayo - AV/ de la Constitución, 23 - 25. Móstoles (Madrid)
Entrada gratuita a todos los actos

6.11.09

NO MAN IS AN ISLAND II - JESPER JUST



Dirección - Jesper Just
Guión - Jesper Just
Intérpretes - Johannes LilleØre, Ole Hedegard, Niels Borksand
Director de Fotografía - Kasper Tuxen
Montaje - Jesper Just
Música - Jens S. Ronn
Nacionalidad - Dinamarca - 2004

22.10.09

Proyección videodanzas - Muestra Playtime

Exposición - Muestra itinerante de cine Playtime - Programa Videodanzas.
Del 26 de octubre al 14 de noviembre. Proyección continua durante el horario de apertura.

PROGRAMA 01
>> A.P.A.A.I. de Guillem Morales y Erre que Erre
>> Anestesia de Paulo Fernández y Sebastian Parada
>> The dancer's cut de Enrique Piñuel
>> Dreaming Awake de José Carrasco
>> Paraoffelias de Beatriz Sánchez
>> Aprop de Aitor Echeverría

PROGRAMA 02
>> 120 Grados de Juanjo Fernández
>> En Cadena de Hammudi Al - Rahmoun
>> Cinética de Ana Cembrero
>> Casual de Aitor Echeverría
>> Divadlo de Guillem Morales y Erre que Erre

Lugar:
LIBRERÍA EL ARGONAUTA
C/ Blasco de garay 47, local, MADRID

Horario:
Lunes - Viernes de 10 a 20 h
Sábados - 10.30 a 14.30 h

Entrada gratuita

17.10.09

Ciclo de cine de Road Movies en CA2M

El centro de arte 2 de Mayo (Mostoles - Madrid) organiza un ciclo dedicado a las Road Movies como actividad complementaria a la exposición Auto. Sueño y Materia.


En el ciclo se podrán ver:
23 de octubre a las 20.30 horas - Weekend de Jean Luc Godard
30 de octubre a las 20.30 horas - Night on earth de Jim Jarmusch
06 de noviembre a las 20.30 horas - Traffic de Jacques Tati
13 de noviembre a las 20.30 horas - Paris, Texas de Wim Wenders
27 de noviembre a las 20.30 horas - No Sex last night (Double-Blind)de Sophie Calle
04 de diciembre a las 20.30 horas - Motorist de Chip Lord
11 de diciembre a las 20.30 horas - El diablo sobre ruedas de Steven Spielberg
18 de diciembre a las 20.30 horas - Little Miss Sunshine de Jonathan Dayton y Valerie Faris


La entrada a las proyecciones es gratuita.

13.5.09

Estrenamos un canal dedicadao al Cine Found Footage

Con el comisariado de Playtime Audiovisuales, estrenamos un canal, bajo plataforma tumbrl, en el que periódicamente se irá posteando una cuidada selección de vídeos realizados con material de archivo, conocido como Found Footage Films

7.4.09

CARLITOPOLIS - LUIS NIETO


Producción - ENSAD
Guión y Dirección - Luis Nieto
Intérpretes - Luis Nieto
Director de fotografía - Luis Nieto
Montaje- Luis Nieto
Nacionalidad - Francia 2005

LOS ABRAZOS ROTOS - PEDRO ALMODÓVAR

Hace tan solo unas semanas que se estrenó pero ya se ha hablado incluso demasiado de, Los abrazos rotos e injustamente ha recibido malas criticas. No es una película perfecta ni la mejor obra de Almodóvar pero está hecha con pasión y es ante todo una historia dedicada al propio cine. Solo por eso ya es, mucho más que el resto de la producción anual.

Hace catorce años, el escritor conocido como Harry Caine sufrió un accidente que le dejó sin sentido de la vista y sin su amada Lena. Atrás quedó también su verdadero nombre, Mateo Blanco, con el que firmaba todas las películas que dirigía. Ahora, sobreviviendo gracias a los guiones que escribe, Harry cuenta con el apoyo de su fiel amiga Judith y del hijo de ésta, Diego. Pero Diego sufre un accidente, y durante su convalecencia, Harry decide contarle su verdadera historia como si de un guión de cine se tratara.

Los abrazos rotos se convierte en una mezcla de estilos y esto le perjudica. Funciona, la parte central de melodrama homenajeando al gran Rossellini de “Viaje a Italia” y me gusta también la comedia con la que se hace un guiño a sí mismo con Mujeres al borde… porque puede y porque yo lo valgo. Sin embargo y aunque ya incidió en La mala educación, Almodóvar se pierde a la hora de reflejar el cine negro, la parte thriller de la película no funcionaba entonces ni tampoco ahora.

El reparto es espectacular pero no todos molan por igual. Harry Cayne/Mateo Blanco está interpretado por el grande Lluis Homar (que después de sus últimas apariciones en la serie de TVE sobre el 23F, Caótica Ana o sin acreditar en Vicky Cristina Barcelona se convierte en unos de nuestros actores más prolíficos y bizarros, no le hace ascos a nada) Penélope Cruz ya con un Oscar en casa, merecido mal que le pese a la envidia nacional, en el papel de la sufrida Lena, uno de los más maduros de su carrera, secundados por José Luis Gómez y Blanca Portillo dos interpretes que a estas alturas no necesitan presentación.

Por otro lado, están Rubén Ochandiano y Tamar Novas que tienen personajes poco creíbles y con frases de guión que en ocasiones provocan risas. Ochandiano hace el mismo papel, Ray X en dos etapas distintas. De adolescente como el pesadito hijo de Jose Luis Gomez, tiene su gracia, camara vhs en mano, obsesivo y resuelve sin embargo la cosa se pone más fea cuando se convierte en joven director de cine homosexual empecinado en escribir un guión con Harry Cayne, ahí mete la pata. Tamar Novas sale mucho, demasiado y algunas de sus secuencias por ejemplo en la discoteca donde trabaja no tienen precio, por malas. Las breves apariciones de Dani Martín y Alejo Sauras son bastante terribles con lo que queda claro que a Pedro Almodovar se le siguen dando mucho mejor las actrices y el universo femenino.

Bien Pé y Blanca Portillo (aquí alter ego de la productora del el deseo, Esther García) pero sobre todo bien las pequeñas pero desternillantes apariciones de, Carmen Machi, Rossy de Palma, Kity Manver, la entrañable Chus lampreave y sobre todo, Lola Dueñas, divina en su papel de lectora de labios.

La película está rodada entre Madrid y Lanzarote, nueva referencia al Rossellini de Stromboli.
Estamos ante la película más ambiciosas, más cara y una de las más personales de Almodóvar. Sin embargo queda lejos de la perfección formal de Volver. Veremos con ganas como es la siguiente.

6.4.09

I LOVE SARAH JANE - SPENCER SUSSER



Dirección - Spencer Susser
Guión - David Michôd
Intérpretes - Brad Ashby, Mia Wasikowska, Vladimir Matovic
Director de Fotografía - Adam Arkapaw
Montaje - Spencer Susser
Música - Michael Lira
Nacionalidad - Australia - 2008
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THE VISITOR - THOMAS McCARTHY

Lo mejor de esta película, es su protagonista el genial Richard Jenkins, merecida nominación al Oscar este año, en su papel del anodino profesor universitario, Walter Vale.
Después del gran éxito internacional de su ópera prima, The station agent (Vias cruzadas) el director, Thomas McCarthy regresa a las pantallas con una bonita historia sobre la integración racial en el marco del NY post 11S.

El profesor de economía, Walter Vale parece haber perdido la vocación por la enseñanza. Ha intentado cultivarse en otras artes, su esposa fue una excelente pianista, sin demasiada suerte, así que cuando la universidad le envía a una conferencia en Manhattan, decide aceptar para cambiar de aires. Nada más llegar a su apartamento de Nueva York, se encuentra a una joven pareja viviendo. Tarek, de nacionalidad siria y su novia senegalesa han caído en una estafa inmobiliaria y no tienen a donde ir así que Walter, amablemente les ofrece alojamiento.

La película cuenta con una primera parte intimista donde conocemos a los cuatro personajes protagonistas sin ahondar en el sentimentalismo. Haaz Sleiman, da vida al músico percusionista, Tarek en su primer gran papel en cine y Danai Jekesai Gurira es su novia. Destaca, la actriz palestina, Hiam Abbass (vista recientemente en Los limoneros) como la madre de Tarek.
Las relaciones que se establecen entre todos ellos son deliciosas y nos hacen creer al menos un poquito en el ser humano en mitad de una sociedad ingrata y cruel hasta decir basta.
La humanidad que desprende, Richard Jenkins hereda el peregrinaje huraño y desarraigado de Peter Dinklage en "Vías cruzadas", reencontrándose consigo mismo en la impudorosa apertura hacia el mundo exterior, hacia la mano tendida de los extraños.

La segunda parte aún sin caer en absurdos maniqueos si se centra más en una critica a lo que fue la infame administración Bush en política de inmigración después de la catástrofe de las torres gemelas. MacCarthy retrata entonces a una nación atemorizada con funcionarios paranoicos que desprecia la constructiva diversidad y se deshumaniza y aliena por culpa de una psicosis nacional y colectiva que se ceba con el más débil, el inmigrante. Es en este punto donde se le puede tachar al director de “demasiado partidista” y tierno con este sector de la población.
Si es de agradecer en la forma de trabajar del director que no se ciña solo en la verborrea de sus personajes con diálogos interminables como en la mayoria de las películas del cine indie americano. MacCarthy se ha convertido en un director sensible, serio y preciso a la hora de trabajar con los directores. Solo por el parco y entrañable profesor con sueños de músico que interpreta Jenkins ya merece la pena ver esta película que sin lugar a dudas deja un bonito recuerdo en el espectador.

En el estreno en Madrid estuvieron presentes el director Thomas McCarthy y la actriz Hiam Abbass

2.3.09

FOUTAISES [Insignificancias] - J.P. JEUNET

Guión - Bruno Delbonnel y Jean-Pierre Jeunet
Dirección - Jean-Pierre Jeunet
Intérpretes - Dominique Pinon, Chick Ortega
Director de Fotografía - Jean Poisson
Montaje - Jean-Pierre Jeunet
Dirección de arte - Sylvia Goubern
Música - Carlos D'Alessio
Nacionalidad - Francia - 1989

THE BIG SHAVE - MARTIN SCORSESE


Producción - Martin Scorsese
Guión y dirección - Martin Scorsese
Intérprete - Peter Bernuth
Director de Fotografía - Ares Demertzis
Montaje - Martin Scorsese
Dirección de arte - Ken Gaulin
Nacionalidad - EE.UU. - 1967

25.2.09

THE WRESTLER - DARREN ARONOFSKY


Darren Aronofsky (Pi, Requiem por un sueño) siempre interesante, firma su mejor película hasta la fecha con, The Wrestler-el luchador- una historia honesta, valiente, directa y emocionante que sin duda es desde ya una de las mejores de este, 2009.

Mickey Rourke, inmenso es el protagonista, él y nadie más que él podia dar vida a Randy El carnero" Robinson. Durante los años 80, Randy fue el luchador más famoso de la lucha libre americana. Ahora combate en colegios y asociaciones de pueblo. Su decadencia fisica es evidente pero él lleva su vida con bastante humor hasta que sufre un infarto después de una pelea.

Randy entonces, se verá solo e intentará acercarse a su hija adolescente, Stephanie (Evan Rachel Wood) a la que abandonó siendo niña. También intenta vivir un romance con una stripper (impresionante, Marisa Tomei) que tampoco está pasando su mejor momento. Pero pese a su estado no podrá dejar de sentir una vez más la gloria del publico y salir a la canha para enfrentarse con otra vieja leyenda, el Ayatollah su gran rival de entones.

El luchador es mucho más que una película deportiva pero tambiés es mucho más que un drama humano. Es una joya, dificil de ver, algunas secuencias son como una patada en el estómago, que termina por convertirse también en una dura critica a la sociedad del bienenestar americano.

El infierno por el que pasa el protagonista está, impecablemente filmado con pulso firme por Darren Aronofsky, digno sucesor de Martin Scorsese y Stanley Kubrick en el uso de la steady-cam. Resulta impresionante como retrata la sordidez de los ambientes, la humanidad de todos y cada uno de los personajes. Seres heridos que si no viven, sobreviven en un mundo que se les ha vuelto en contra.

No puedo parar de hablar del inmenso Mickey Rourke. Finalmente Sean Penn le robó el Oscar, supongo que Hollywood no ha querido perdonarle sus desfases y es una pena y es triste porque su interpretación emociona y está llena de matices, la de Penn como el militante Harvey Milk, no, se queda en un sucedaneo frente a Rourke. Su fisico, su cuerpo torturado es arte en cada imagen, en cada fotograma de esta película. Los mismos elogios van para su compañera, Marisa Tomei, que demuestra con un personaje en principio cargado de topicos (cuarentona, bailarina en decadencia, madre soltera etc) brillar y ofrecernos un recital interpretativo que aix es que todo es poco para esta pareja.

La música original de Clint Mansell no llena tanto como la de Requiem for a dream pero sí engancha el soundtrack repleto de temas metaleros de los 80, el protagonista es un gran amante del rock y a destacar el tema original de los creditos finales con otro maestro, Bruce Springsteen.

Obra maestra. Hay que verla, no puedo escribir más porque me emociono, de nuevo.

2.2.09

VIAJE A DARJELING - WES ANDERSON

¡Que ganas de que se estrenara lo nuevo de Wes Anderson! Después de haberlo flipado hace 3 años, con la genial: The life acuatic! Viaje a Darjeling se hacia esperar y el resultado es, una buena película, contiene un poco de todo el universo Anderson pero no resulta tan genial como sus predecesoras (The life acuatic y The Royal Tenembaums) quizás por contar en esta ocasión con una estructura más formal, más clásica. Aún así es ya sin duda una de mis favoritas del 2008 y es que tan solo un poquito de la estética Anderson y toda su trouppe, me aporta más que la mayoría de lo que nos llega a la cartelera.
Tres hermanos que llevan un año sin hablarse, emprenden un viaje en tren por la India con la intención de encontrarse a ellos mismos y volver a estrechar lazos. Sin embargo la búsqueda espiritual se va torciendo y terminan en mitad del desierto del Rajastán tirados con 11 bonitas maletas Louis Vuitton, parte esencial de la historia y una nueva búsqueda por delante.La película, empieza con un cortometraje, Hotel Chevalier, independiente al largo pero que sirve como prólogo para conocer a uno de los hermanos Whitman, Jack (el músico y actor, Jason Schwartzman) aunque tampoco aporta grandes cosas la verdad. Lo mejor, la vista de París que se divisa desde el hotel y la presencia de la actriz Natalie Portman, guapísima, elegante, se desnuda por primera vez en el cine y aunque después la chica se ha arrepentido lo cierto es que sus muchos fans están, estamos encantados aunque está demasiado flaquita. El cortometraje puede descargarse en el itunes americano pero también puede verse en español aquí.
El guión está firmado por Wes Anderson, Roman Coppola (hijo de Francis y hermano de Sofia, ala!!) y Jason Schwartzman (era el rey de Maria Antonieta. Sobrino de Francis y primo de Sofia, Roman y Nicolas Cage, ala!!) La película se sitúa en un tren (en la anterior estaban en un barco) un escenario siempre increíble para contar historias en el cine y esto da el suficiente juego para los encuadres frontales, marca de la casa. India, sus paisajes, sus colores, la espiritualidad y hasta los olores son un protagonista más.
La energía de sus habitantes y los contrastes con los que se van encontrando como pijos occidentales que son perdidos en un país asiático, cambiará el modo de ver la vida de los tres hermanos. Además de Schwartzman, los otros dos hermanos están protagonizados por Adrien Brody (lo mejor que ha hecho junto con El Pianista) y un habitual en el cine de Wes Anderson; el rubio, Owen Wilson. Owen, es Francis, el hermano mayor y aparece durante toda la historia con la cara vendada por culpa de un accidente o intento de suicidio.
La catarsis que sufre su personaje, le hace reflexionar y querer juntar de nuevo a la familia. Hace unos meses, espero que esta peli no fuera para nada un presagio, Owen Wilson tuvo un intento de suicidio después de separarse de la actriz Kate Hudson, del cual todavía, está convaleciente.
Otra habitual en toda la filmografía de Anderson, es actriz, Angelica Huston que aquí con el pelo blanco y cortisimo, interpreta a Patricia, la madre, verdadero punto de unión entre los hermanos. Una mujer de carácter, que sí se ha encontrado a sí misma y vive recluida en un monasterio de las montañas como misionera.
Está claro que sumergirte en el mundo marciano de Anderson te hace olvidar todos los males y la monotonía del día a día así que hay que verla, no defraudará a nadie. La banda sonora es impecable incluyendo temas entre otros de los Kinks y además se camea Bill Murray.

THIS IS ENGLAND - SHANE MEADOWS

This is england arranca fuerte y crees entonces que vas a ver una gran película pero 20 minutos después la historia da un giro y se convierte en una historia simplona. Así que uno se termina decepcionando bastante y aunque no me arrepiento de haberla visto sí que viniendo de Shane Medows, el director de Twentyfourseven, me esperaba algo mucho más cañero.Verano de 1983.
Shaun tiene 12 años y es el último día de clase antes del verano. Shaun, es el jovencísimo Thomas Turgoose, lo más destacado de la película, su interpretación es realmente increíble, hacía mucho que no se veía a un chaval con tanta tanta fuerza, de hecho solo por este protagonista merece verse.
Bueno, Shaun es un chico solitario que crece en un pueblo costero sin padre, ha muerto en esa guerra absurda que fue la de las Malvinas y todos se ríen de él porque en los 80 eso de vestir con pantalón campana como que no se lleva bien. La verdad es que la vida le trata mal hasta que se topa con un grupo de skinshead locales que “le adoptan”.
Con ellos, Shaun cambia su punto de vista, conoce las fiestas, las chicas, los tirantes, el ska y las botas Dr. Martins. Hasta aquí, todo va bien. El director describe con frescura los malos tiempo de la era Thatcher y refleja la cultura skin sin enjuiciarlos o tacharlos meramente de violentos y racistas. De hecho, está bien que se explique el fenómeno skin desde que surgieron en Londres durante los años 60.
Entonces pertenecían a las bandas skinheads, tanto los chicos blancos como los negros, uniéndoles a ambos su procedencia obrera y la música ska originaria de Jamaica. Esa primera parte de la cinta parece que tiene bastante que ver con la propia infancia del director en la anodina Inglaterra rural y se ve bien. El giro, viene cuando irrumpe en escena, Combo (interpretado por Stephen Graham) un ex convicto bastante insoportable que le lava el cerebro al pobre Shaun. Combo es un mal estereotipo de skin violento que va por ahí asustando a las minorías étnicas, en Inglaterra, “los llamados pakis”.
Desde la entrada de Combo, la película se vuelve predecible, sensiblera y videoclipera en cuanto a planificación se refiere. Cayendo en todos los tópicos, uno ya deja de prestar atención a lo que ocurre en pantalla.
Lo peor, llega con el poco creíble proceso de maduración que parece sufrir el protagonista cuando al presenciar una pelea entre Combo y un chico negro, Shaun abre los ojos y dejará de creer en sus “amigos skinheads” menos mal, que en el ultimo plano no vuelve a vestir con pantalón campana aunque el final es de todo menos original porque con la mirada perdida y solo en mitad de una playa, el rostro de Shaun parece superponerse al de Antoine Doinel en la inolvidable: Los 400 golpes. Pues eso, ¡vivan los Enfants terribles!

INTERVIEW - STEVE BUSCEMI

En 2003, el cineasta holandés Theo Van Gogh, dirigió la película Interview. Tras su exitoso pase en el festival de Toronto, en su mente y en la de sus productores estaba la idea de rodar en Nueva York un remake en inglés.
El proyecto se vio frustrado cuando el 2 de noviembre de 2004, el director fue asesinado a manos de un fundamentalista, al que parece ser que no le gustó la visión que daba del Islam en su cortometraje “Submision: Part 1”Como homenaje a la memoria de Theo, los productores Gijs van de Westelaken y Bruce Weiss emprendieron un nuevo proyecto bajo el nombre de Triple Theo, consistente en la realización de tres remakes de sus películas más emblemáticas: 06, Blind date e Interview todas ellas centradas en las relaciones personales entre un hombre y una mujer. Para llevar a cabo el proyecto se pusieron en contacto con tres directores neoyorkinos, Steve Buscemi, Stanley Tucci y Bob Balaban, en 2005 se presentó el proyecto en Toronto y a partir de ese momento se pusieron manos a la obra.Interview ha sido la primera en estrenarse, dirigida e interpretada por Steve Buscemi, se presenta como una combate de boxeo entre un reputado reportero de guerra en horas bajas y una joven estrella de la televisión, complicado papel que encarna Sienna Miller ya que juega en el límite de un peligroso herself, solventado con gran frescura.La historia: A Pierre Peders le encargan que entreviste a Katya, estrella del cine de terror adolescente y los culebrones.
Es evidente que a un periodista que ha estado en guerras, conflictos y acontecimientos políticos por todo el mundo, éste le parece un trabajo menor, y que difícilmente una famosa frívola y superficial le va a aportar nada interesante.
Pero las apariencias engañan y poco a poco según va avanzando la noche la conversación hace aflorar las profundas heridas que marcan a los personajes. La acción se desarrolla en un lujoso loft neoyorquino, que actúa como un gran escenario teatral por el que se pasea la pareja protagonista.
El rodaje se realizó a la manera de Van Gogh y con un equipo de cámara holandés que ya había trabajado con el director. Se utilizaron tres cámaras digitales simultáneamente, lo que permite más libertad de movimientos y espontaneidad a los actores, y acortar el tiempo de rodaje, tan solo duró 9 días. Sin embargo, este estilo de cine que por momentos parece teatro filmado, también tiene sus inconvenientes y si bien es verdad que los actores trabajan con una gran libertad y fluidez consiguiendo así unas grandes interpretaciones, la película pierde en intensidad narrativa y ritmo fílmico.
En cuanto al guión, es una historia muy bien construida, mordaz, con grandes dosis de ingenio, intriga y tensión sexual que acaba de forma totalmente inesperada.Merece la pena ver la película, principalmente por el duelo interpretativo entre el agudo Pierre y la tonta más lista que se ha visto en mucho tiempo Katya, tanto Buscemi como Miller están sublimes y teniendo en cuenta que la película es un historia de personajes tiene bastante terreno ganado.

LARS Y UNA CHICA DE VERDAD - CRAIG GILLESPIE

Da gusto ver una película protagonizada por Ryan Gosling, el chico se ha convertido con tan solo dos o tres papeles como protagonista en el mejor actor del momento, sirva de ejemplo el nazi-judio de The Believer , el conflictivo profesor de Half Nelson o el Lars de esta, Lars and the real girl (Lars y una chica de verdad) donde es un chico tímido y enormemente encantador con algunos problemas de sociabilización, aunque quien no, en estos tiempos.
Lars, no resulta ningún freak, como he leído en otras críticas, tampoco tiene demasiado que ver con el Michel Piccoli de Tamaño Natural la obra maestra de Berlanga, el único nexo común en ambos es la aparición de una muñeca hinchable pero nada más. Porque el sádico Piccoli era un pervertido, en el mejor sentido de la palabra y el pobre Lars, tan solo sufre un delirio.Lars es un chico que vive en un pequeño pueblo de las montañas. Vive solo en el garaje desde que sus padres murieron pero tiene como vecinos en la casa grande, a su hermano mayor y a su cuñada embarazada.
Ella, está interpretada por la actriz inglesa, Emily Mortimer y si no fuera por su estupenda vis cómica el personaje resultaría demasiado blanco y candido. De hecho ese problema se extiende a toda la película y es que aunque funciona, contiene toda la historia un poso de sosería que empareja a su director, un casi desconocido, Craig Gillespie en algo así como, el alumno aventajado de Frank Capra.Durante la primera parte de la historia, el espectador se rie mucho, muchísimo con el descubrimiento de Bianca, la muñeca hinchable que Lars compra por internet para que se convierta en su novia. Se suceden entonces una serie de situaciones cómicas entre sus compañeros de trabajo, familiares etc. Siendo la mejor, la presentación de Bianca a su hermano en la cena de bienvenida.
La cosa da un giro cuando entra en escena, una doctora (Patricia Clarkson, que no para de trabajar, está también en los repartos de Elegí y Vicky Cristina Barcelona) que alienta a su familia a seguirle la corriente para que no sufra y con ellos, todo el pueblo en plan “Que bello es vivir”.
El acierto, es que como Bianca, no deja de ser una muñeca, las situaciones no terminan resultando del todo empalagosas o con moralina y aunque las risas van mermando a lo largo del metraje, no es una película sensiblera. Destaca el componente psicológico de Lars, realmente Bianca, no sustituye a una novia real sino que actúa como prolongación de si mismo en su apertura a relacionarse con los demás.
La muñeca le sirve para conectar con sus paisanos y cuando ya ve que no le hace tanta falta como al principio es cuando empieza también a cogerle manía. Porque, además, en un principio es la personalidad de Lars lo único que refleja, pero cuando son los demás quienes se dejan ver a través de ella y la muñeca ya no es sólo su extensión, sino la de todos los demás, el protagonista deja de aceptarla y literalmente, la mata.
En definitiva se trata de una fabula divertida, algo emotiva y sentimental pero bien escrita, su autora, Nancy Oliver, consiguió una nominación al Oscar este año y sobretodo bien interpretada, que no es poco.

BALLAST - LANCE HAMMER

Una de las mejores películas programadas en la sección oficial de la 46 edición del Festival de cine de Gijón fue Ballast. Ópera prima del californiano Lance Hammer, es una película muy cruda sobre la vida en el Delta del Mississippi.
La historia está construida con un estilo casi documental. Presenta a una familia desestructurada, que se rompe definitivamente con el suicidio de Darius, el eslabón que unía ambas partes. No penséis que estoy desvelando nada, éste es el arranque de la película.Con una sencilla puesta en escena y un guión que reparte la información de forma muy dosificada, vamos conociendo a los tres personajes que conforman la historia.
La ex-mujer de Darius, Marlee (Tarra Riggs), su hijo James (Jim Myron Ross) y su hermano Lawrence (Michael J. Smith).
Los problemas que azotan a estos tres personajes, van aumentando a medida que avanza la historia, Marlee es despedida de su trabajo, James tiene problemas con las drogas y con los camellos y Lawrence encerrado en sí mismo, deja de lado el contacto con la realidad para quedarse en casa.Los tres personajes están condenados a entenderse, por un lado comparte un terreno y viven uno frente al otro, por otro lado comparten un profundo dolor y se necesitan para no precipitarse al vacío, para sobrevivir.
El ambiente desolador que puebla todo el paisaje de la película, está perfectamente retratado a través de una fotografía, grisácea, pesada, que parece oprimir a todos los que por el Mississippi habitan.
Esta desolación se acentúa con la puesta en escena, en la que sólo vemos lo esencial, ningún elemento permite distraerse de lo fundamental, los personajes. Como ejemplo, una secuencia que me llamó particularmente la atención. Lawrence, después de varios días encerrado en casa, decide que ya es hora de salir a hacer algo y va a un bar. Lo vemos en primer plano, todo el fondo fuera de foco y oímos algo de música y dos bolas de billar que chocan. Esta es toda la referencia que tenemos del local, nunca vemos un plano general del bar, ni a más clientes, ni al camarero, simplemente el sonido de dos bolas de billar que chocan nos indica que está en un bar.
Sin lugar a dudas estamos ante una de las mejores películas del año, premiada en Sundance (Mejor director y mejor fotografía) y aquí en Xixón (Mejor Actor ex aequo para Michale J. Smith y Jim Miron Ross) y junto con Frozen River de Courtney Hunt y Rachel getting married de Jonathan Demme lo mejor que nos ha llegado este 2008 desde EE.UU.

ESTÓMAGO - MARCOS JORGE

Una de las películas más esperadas de la sección Esbilla de la 46 edición del Festival de cine de Gijón, era Estômago, ópera prima del brasileño Marcos Jorge, venía precedida de su éxito en la Seminci de Valladolid, donde se alzo con los premios a la mejor película, mejor actor y mejor nuevo director.
La principal virtud de Estômago, es haber hecho en clave de comedia una historia que entre otros trata temas sociales como son la pobreza o la superpoblación carcelaria.Gracias a una puesta en escena un tanto barroca, la mezcla, Brasil, sexo y comida dan para ello y una banda sonora cuyo tema principal tiene una melodía con aires a Pascal Comelade o Mastretta, el director construye un ambiente cálido y excesivo que va embriagando poco a poco al espectador, introduciéndolo en la vida del protagonista.
Estructurada en dos tiempos, vamos conociendo a Raimundo Nonato, papel interpretado por el actor Joao Miguel quien, con gran solvencia, da vida a un pobre diablo con pocas luces pero que guarda dentro de él a un ser astuto y algo maquiavélico, que sin hacer mucho ruido va logrando sus objetivos. Según explica Raimundo en la voz en off inicial, su nombre es el que reciben los huérfanos en Brasil. La película arranca con el protagonista llegando a la ciudad, sin nada que comer, ni un sitio donde dormir, por otro lo vemos preso en la cárcel. Ambas historias se van entrelazando, siguiendo un esquema narrativo muy parecido, que consiste en ir conociendo el ascenso del protagonista dentro del mundo que le rodea. Raimundo consigue mejorar su nivel de vida en ambos casos gracias a sus dotes culinarias.
Al llegar a la ciudad comienza a trabajar en un triste bar a cambio de comida y cama, poco a poco lo convierte en un bar de lo más concurrido gracias al éxito de sus exquisitas coxinhas. Allí conocerá a Iria, una prostituta con un apetito voraz, con la que comienza un placentero intercambio de sexo por comida y a Giovanni, dueño de un restaurante italiano que le ofrece trabajar con él.
Como preso en la cárcel, le encierran en una celda con 8 presos más, un lujo teniendo en cuenta que en otras hay hasta 35. Allí coincidirá con el jefe del lugar, el que ordena y manda como se tienen que hacer las cosas. Mejorar con un poquito de romero y cuatro cositas más la comida que sirven en la cárcel, le permitirán acercarse a él e ir escalando puestos en el escalafón de la prisión.Desde un principio sabemos que el ascenso que va consiguiendo poco a poco en su vida diaria, acabará con sus huesos en la cárcel, la cuestión es conocer que motivo será el causante de ello.
Estômago es una de esas películas que deja a todo el mundo contento, la historia está bien contada, te ríes con un protagonista con el que, pese a sus defectos, es fácil empatizar y tiene algunos momentos grotescos que se salen del cine convencional, sin embargo, a fin de cuentas se queda sólo en una película amable, en manos de Marco Ferreri hubiera sido otra cosa.

LA MUJER RUBIA - LUCRECIA MARTEL

Dentro del ciclo que, la 46 edición del Festival de cine de Gijón ha dedicado a la directora argentina Lucrecia Martel, se proyectó su nueva película La Mujer rubia.
Compleja, silenciosa, sudorosa, siniestra un punto maquiavelica así son las películas de la argentina Lucrecia Martel, rara avis del cine no solo latinoamericano si no mundial. Verónica, ( la reputada acrtriz María Onetto) de clase acomodada, atropella "algo" con su coche una noche lluviosa y frena unos metros después, pero ni siquiera se atreve a bajar y mirar qué es.
Ese suceso la sumirá en un estado depresivo o más aún reflexivo, que la irá consumiendo poco a poco. La incertidumbre (¿qué o quién ha matado?), la culpa, incluso la ausencia de cadáver que algunos han enlazado con los desparecidos de la dictadura forman una especie de metáfora que convive sin moverse junto a lo que sale en la pantalla: un primer plano de la actriz, protagonista rubia , una interpretación muy difícil , sin texto, sin gesto y con la mirada perdida porque la protagonista está cansada y no le guste lo que ve realmente lo que tiene a su alrededor.
Su mejor arma es la minuciosidad, su cualidad contemplativa y la estética de cada encuadre que ya demostró en sus filmes anteriores, La niña santa y sobre todo la críptica, La ciénaga.
No es fácil entrar en esta historia, no es una película mainstream para todos los públicos quizás ni a mí me entusiasmó durante el visonado pero después es una de esas historias que se queda en la memoria y da para diversas lecturas.
Llama la atención el bellísimo cartel. La cabeza de una mujer de perfil sin rostro y con una maraña de rizos donde predomina el color rojo. En principio el titulo original iba a ser: La mujer sin cabeza pero ya existía otra película así y tuvieron que cambiarlo.
Por segunda vez, cuenta en la producción con El Deseo de los hermanos Almodóvar y es normal que le guste a Pedro porque Lucrecia cuenta con un personal estilo que tiene a la mujer y a lo femenino siempre como máxima protagonista, aquí hasta con alguna connotación lesbica de parte del personaje de las jovencisima Inés Efrón (la adolescente de XXY) en el papel de Candita.
Rara e inquietante repito para llamar vuestra atención deciros que es algo así como un cruce entre Muerte de un ciclista y una película de David Lynch tiene más de este ultimo porque en realidad, puede que ni si quiera atropellara a nadie pero eso le sirvió para cambiar aunque solo fuera por unos días la rutina de su vida de clase alta y ya está.
Es por esto que no gustó a la critica de Cannes, demasiado encorsetados como para verse relejados en Verónica.

III FESTIVAL LATINO DE PARÍS [2008]

Luego de la ceremonia oficial de apertura de la 3ª edición del Festival Internacional de Cine Latino de París, el lunes 13 de octubre en el cine Gaumont Marignan, se proyectó el cortometraje mexicano La Purísima de Carlos Muñoz, el largometraje Propiedad Ajena de Luis Vélez y el documental La Santa Muerte, de Eva Aridjis. Para su tercera edición, el festival rindió homenaje a la producción de México a través de una retrospectiva que abarca desde los años ’40 hasta nuestros días. Además, los organizadores han decidido agregar a las producciones latinoamericanas, otras provenientes de países europeos de lengua latina como es el caso de España y Francia, con la intención de despertar el interés de un público más amplio y variado, además de favorecer la distribución de obras inéditas.

- El juego de los géneros -

Se presentaron en competencia 250 filmes de los cuales fueron seleccionados 35 entre largometrajes de ficción, documentales y cortometrajes.
A diferencia de otros festivales, en los largometrajes ficcionales este año ha predominado la comedia con cierta tendencia a ironizar sobre los géneros estandarizados en el cine y en la televisión.


Bluff (Felipe Martínez, Colombia, 2007) es la historia de Nicolás, un fotógrafo de modelos que un día encuentra a su novia Margarita intimando con Mallarino, el jefe de la editorial para la cual trabaja. Desde ese momento pierde a su novia, su casa y su empleo, por lo que decide tomar venganza. La utilización de efectos digitales y sobreimpresiones responden a las características estéticas que el teórico italiano Omar Calabrese entiende por “neo-barroco” (La era neobarroca, Madrid, Cátedra, 1999). El teórico italiano hace referencia al exceso, al pastiche, a la repetición y a la cita como formas estéticas características de nuestra cultura visual posmoderna, como aspectos fundamentales del lenguaje visual actual tanto cinematográfico como televisivo.
El cuadro se satura de imágenes que se repiten, se superponen, se suceden en un montaje frenético acompañado por el ritmo vertiginoso de los pegadizos temas musicales que recuerdan un poco a los jingles publicitarios. Esta estética posmoderna, traducida en Bluff al lenguaje cinematográfico, no deja de ser por ello muy televisiva. Es un ejemplo claro de la traducción en imágenes de la sociedad de consumo de nuestra era industrial, de la que la folletinesca telenovela latinoamericana forma parte. En Bluff aparecen constantemente los guiños sobre los géneros televisivos de la telenovela y de la publicidad. Nicolás -a la vez personaje principal y narrador intradiegético- apela al público en sus comentarios a la manera de los apartes teatrales y de los spots publicitarios, utilizando siempre el humor como forma de provocar simpatía en el espectador.

Algo similar ocurre en Polaroides Urbanas (Miguel Falabella, Brasil, 2007), donde las vidas de cinco mujeres provenientes de diversos medios –una aburrida ama de casa, su rica y viajada hermana gemela, una diva de teatro que sufre ataques de pánico y una psicoanalista que intenta ayudar a sus pacientes cuando ella misma no puede solucionar sus propios problemas-, se cruzan en diferentes momentos y espacios de la moderna Río de Janeiro. Aquí también se percibe una mirada irónica sobre las telenovelas y un juego barroco de la puesta en escena teatral dentro de la representación cinematográfica. Desde el primer travelling con planos detalle de los objetos ubicados en el camarín de la diva Lise Delamare, pasando por la representación de la obra de teatro clásico Antígona de Sófocles al comienzo y final del filme, todo parece indicar que estamos frente a lo que Calderón de la Barca llamaría “El Gran Teatro del Mundo”, una metáfora del mundo como un puesta en escena teatral en la que cada hombre cumple un rol y está sometido a su destino. De esta manera Miguel Falabella presenta en tono de comedia a sus personajes, pertenecientes todos ellos a la clase media brasileña, con sus pequeños o grandes dramas cotidianos.

El tercer y más evidente juego del género lo presentó La Señal (Ricardo Darín y Martín Hodara, Argentina/España, 2007). El filme, que está basado en la novela homónima de Eduardo Mignogna y marca el debut de Darín como director, transcurre en los años ’50 en la Buenos Aires peronista, mientras Evita agoniza luego de una larga y penosa enfermedad. En ese ambiente aparece el Pibe Corvalán –una especie de Sam Spade o Phillip Marlowe a la argentina- que, luego de ser contratado por una bella y misteriosa mujer con el fin de llevar a cabo un aparente trabajo rutinario de seguimiento, irá descubriendo poco a poco un violento entramado de corrupción, venganza y ambición. La novela de Mignogna se enmarca a conciencia en el género del policial negro desarrollado en Estados Unidos durante la década del ’30 y cuyos representantes más notables han sido Dashiell Hammett (Cosecha Roja, El Halcón Maltés) y Raymond Chandler (Adiós Muñeca, El largo adiós).
En este género literario los personajes son ambiguos y se mueven en ambientes oscuros y turbios. Los protagonistas –más antihéroes que héroes- son seres decadentes que rara vez salen airosos de sus misiones, puesto que en este tipo de relato es más importante la descripción y el análisis de la decadencia ética de la sociedad que la resolución de un enigma.
La Señal apunta constantemente en la misma dirección, tanto desde el punto de vista narrativo como estético. La elección del maquillaje, por ejemplo, desluce y envejece a los actores en lugar de embellecerlos, con la sola excepción de Gloria –interpretada por la escultural Julieta Díaz- que es, no casualmente, la antagonista-villana del “héroe” Corvalán-Darín. En otras palabras, una de las características del filme policial negro consiste en que, lejos de los principios platónicos, la belleza no aparece siempre asociada al bien, ni la fealdad al mal, desdibujándose así las fronteras entre estos dos conceptos opuestos. En cuanto a la fotografía, los primeros filmes de género policial negro utilizaban como soporte la película en blanco y negro, con una iluminación muy contrastada (heredera del expresionismo alemán) y ambientes difusos en los que la luz aparecía a menudo filtrada por el humo de un cigarrillo.
Uno de los aciertos estéticos de La Señal es precisamente que, aún habiéndose utilizado película color, da la impresión de ser un filme en blanco y negro. Esto se logró en posproducción disminuyendo digitalmente la saturación de los tonos y especialmente a través de un gran trabajo de decorados, vestuario y elementos de utilería que viran hacia los negros, blancos y toda una extensa gama de grises. Aunque la novela y el filme se encuadran dentro del policial negro, no puede pasarse por alto el hecho de que el relato se sitúe en Argentina, de allí la segunda línea argumental, la del trasfondo político en plena época peronista.
Es importante recordar que Eduardo Mignogna (autor de la novela) había comenzado su carrera de dirección en 1984 con Evita, quien quiera oír que oiga, un largometraje que combinaba escenas documentales con una recreación de la vida de Eva Perón durante sus años de juventud. Esta fascinación de Mignogna por la figura de Evita, explicaría en gran parte el entrecruzamiento de las dos líneas argumentales en La Señal.
En primera plano, el final trágico de un hombre (Corvalán) que ha sido utilizado por la reina de la mafia (Gloria) para lograr sus oscuros objetivos, y como telón de fondo, los sórdidos entramados de la política argentina donde también una figura de poder utiliza a otros para alcanzar sus desmesuradas ambiciones personales.
El paralelismo temporal que se establece en el filme entre los últimos días del Pibe Corvalán y los de Eva Perón es demasiado evidente como para dejar pasar por alto una lectura política, la que se refuerza aún más con la elección de la ópera Norma de Vincenzo Bellini como música de “foso”. Norma era una sacerdotisa de los druidas que mantuvo un idilio secreto con el gobernador romano de la Galia, Polión, en el siglo I A.C. Aunque el amor de Norma hacia Polión era ciego e incondicional, éste se enamora de Adalgisa y abandona a Norma. A partir de allí la heroína se debate entre su amor al gobernador romano y el deber hacia su pueblo, y en ese debate moral termina sacrificándose. La ópera de Bellini acompaña el proceso de muerte de Eva Perón en La Señal. Desde la óptica de Mignogna, Evita era una Norma moderna que se debatía entre su fidelidad al pueblo y sus lazos con el poder por el que finalmente fue traicionada.
El autor ha dejado allí su pensamiento político como testamento fílmico puesto que falleció en el año 2006 poco después de finalizar el guión.

- Un zoom sobre la micro-realidad Los cortometrajes -

En el cortometraje Carretera del Norte (Rubén Rojo Aura, México, 2008) una familia, compuesta por una pareja y dos hijos varones, sobrevive en el desierto al norte de México vendiendo animales a los automovilistas que circulan por la carretera. Ante la extrema necesidad, la madre toma una drástica decisión.
Este corto mexicano logra expresar mucho en un lapso breve de tiempo. Mediante la utilización de un filtro, los tonos de la película viran al ocre y al amarillo, con lo cual se acentúa la sensación de calor extremo, falta de agua y sofocación.
Los planos generales de esta pequeña familia compuesta por cuatro personas en medio de un vasto paisaje desértico, transmiten una sensación única de soledad, de aislamiento más allá de cualquier posible acercamiento a la civilización. A pesar de su brevedad, el corto no carece de lenguaje simbólico. En uno de los primeros planos, una serpiente se arrastra por la tierra reseca a pocos pasos de la cuna donde duerme el bebé.
Poco antes del desenlace, la madre trae esta misma serpiente enrollada en su brazo, muy cerca del pecho con el que hasta entonces amamantaba a su hijo, haciendo referencia a la creencia azteca de la serpiente o coatl como una deidad asociada a la madre tierra, a la vez dadora de vida y de muerte.

En Un Vaso de Soda (Adriana Yurcovich, Argentina, 2008), un preadolescente huye de la policía luego de arrebatar una cartera en la calle, y entra a robar en la casa de una anciana que vive sola. Aunque menos logrado que el corto mexicano, Un Vaso de Soda intenta hacer zoom sobre la micro-realidad argentina.
La relación entre víctima y victimario se va transformando a lo largo de sus diez minutos de duración en algo casi familiar, en lo que podría ser el vínculo de una abuela con su nieto. Este breve relato de un robo, un episodio que podría interpretarse como fuera de lo común, se va transformando paulatinamente en un cuadro de costumbres. Algo similar ocurre en la sociedad argentina cada vez más anestesiada frente a sus problemas sociales, aceptando la delincuencia infantil como algo cotidiano y pasando luego el mal trago con un vaso de soda, de la misma forma que lo hace la anciana en la historia.

Por su parte, El Epígrafe API (Salvador Cuevas, España, 2008) observa con cierto humor el mundo actual del trabajo.Andrea es una joven informática que vuelve a España después de una larga estadía en Argentina y acude a las oficinas públicas de empleo con el fin de recibir ayuda en su proceso de reinserción laboral. Bajo el epígrafe API (asistente personal íntima), el Estado le consigue a Andrea un puesto de mesera en un pub nocturno amenazándola con retirarle el subsidio en caso de que ella no acepte. Es una difícil decisión a tomar.

- El documental político -

El hombre de las dos Havanas (Vivien Lesnik Weisman, Cuba-Estados Unidos, 2008). Luego de haber pasado su infancia bajo las bombas y los intentos de asesinato contra su padre, la realizadora explora su relación con él y la Cuba que dejó atrás.
A través del prisma de una hija viajamos por el pasado y el presente, la naturaleza de la responsabilidad social y el sacrificio personal.

La Ciudad de los Fotógrafos (Sebastián Moreno, Chile, 2006). Durante la dictadura de Pinochet, un grupo de chilenos fotografió a la sociedad chilena en sus más variadas facetas.
En la calle, al ritmo de las protestas, estos fotógrafos se formaron y crearon un lenguaje político. Para ellos fotografiar fue una práctica de libertad, un intento de supervivencia, una alternativa para seguir viviendo.

Adriana Schmorak


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